Chanel

War Gabrielle Chanels Leben ein Märchen? Ihr Aufstieg aus einem Waisenhaus an die Spitze der Modewelt eine Geschichte wie die von Hans und der Bohnenranke, eine über jemanden, der aus dem Nichts hochklettert und mit Gold wieder herabsteigt? Für Matthieu Blazy ist die Antwort klar. Gaby and the Beanstalk, seine zweite Couture-Kollektion für die Maison, verwandelte den Grand Palais in einen leicht unheimlichen Garten, in dem Kleider wie spielerische literarische Verweise auf die Welt der Märchen wirkten. Ein Grossteil der Magie versteckte sich dort, wo man sie nicht sofort sah: Jacken verbargen handbemalte Innenfutter und als Sticktext eingearbeitete Einkaufslisten auf transparenter Seide. Die Stoffe wiederum erzählten ihre eigene Geschichte: Tweed kehrte in durchscheinender Mousseline wieder, verflüssigte Jersey-Roben erinnerten an Chanels eigene Kreationen aus früheren Jahrzehnten, Guipure-Spitze und Organza schichteten sich für Schwere und Leichtigkeit in einem. Es war eine Kollektion so klug wie geistreich, so verspielt wie funktional. Eine, die der Fantasie ihren Raum liess, ohne den Boden unter den Füssen zu verlieren.

Schiaparelli

Bei der Arbeit an seiner neuesten Couture-Kollektion fand sich Daniel Roseberry in einer kreative Sackgasse – und entschied sich schliesslich, sich unbekanntem Terrain hinzugeben: l'appel du vide, dem Ruf der Leere. Schliesslich war es Barcelona und die organischen Formen von Antoni Gaudís Architektur, die ihm einen Ausweg boten. Die Trencadís-Technik, Gaudís charakteristische Mosaike aus zerbrochener Keramik, tauchte in der Kollektion als dichte Stickerei wieder auf: tausende Blumen, Fischschuppen, Bänder und Perlen, nicht nur Muster, sondern Oberfläche. Seide, Satin und Wolle wichen Latex, Silikon und Bahnen aus gebackener Farbe und wurden zu körperbezogenen Kreationen verarbeitet: skulpturale Torsi und Bustiers, Flanken und Ausschnitte, die an abgezogene Haut erinnerten, prothesenartige Ergänzungen an Ohren und Bauchnabel. Eine Kollektion als Mischung aus viszeralem Unbehagen und surrealistischer Bedrohlichkeit. Schiaparelli tat, was Schiaparelli schon immer getan hat: Der Schönheit ihre Bequemlichkeit nehmen.

Balenciaga

Mit Pierpaolo Picciolis Debüt feierte die Maison Balenciaga die 55. Haute-Couture-Kollektion in ihrer Geschichte – eine, getränkt in Sonnenlicht, getränkt in Emotion. Inszeniert in den Gärten der Cité Internationale Universitaire de Paris, entfaltete sich die Show unter einem stahlblauen Himmel. Eine passende Kulisse für einen Designer, der Monate in den Innenräumen der Ateliers verbrachte, bevor er auch nur einen Look skizzierte, wild entschlossen, Balenciaga von innen heraus zu verstehen, bevor er das Haus neu zu formen versuchte: als Cristóbals Architektur, gelesen durch Picciolis Handschrift, skulpturale Schultern und schwebende Volumen neben Cocoon-Mänteln, Ballonröcken und Kapuzenumhängen, gehüllt in eine Palette aus elektrischem Pink, Neonorange und leuchtendem Mintgrün. Das Publikum goutierte Picciolis Effort mit Standing Ovations, während dieser gemeinsam mit dem gesamten Atelier die Treppe hinabschritt. Denn Couture, betonte er, wird von Menschen gemacht. Und all diese Menschen sollten sich mit ihm verbeugen.

Standing Ground

Michael Stewart präsentierte das Couture-Debüt von Standing Ground am 6. Juli in der irischen Botschaft in Paris. Ein passender Ort, griff der irische Designer für die Kollektion doch auf den Geist der Steinkreise seiner Heimat zurück. Archaisch und zugleich leicht ausserirdisch anmutend, bewegten sich die achtundzwanzig Looks fliessend zwischen Strenge und Sinnlichkeit: Strukturierte Corsagen trafen auf drapierte, skulpturale Röcke, Jacken zeigten seine charakteristische Covered-Beading-Technik, dazu gestreckte Silhouetten und monumentale Proportionen mit Akzenten in kräftiger Farbe vor einer sonst zurückhaltenden, modernistischen Palette. Editors, Stylisten, die Handvoll Menschen, deren Meinung die Branche bewegt, waren begeistert. Vergleiche mit Alaïa ließen nicht lange auf sich warten – nicht als Vorwurf, sondern aufgrund eines geteilten Instinkts: allen Lärm auszublenden und die Kreationen für sich selbst sprechen zu lassen.

Jean Paul Gaultier

Duran Lantink will mehr. Ich möchte das Kleidungsstück selbst herausfordern, erklärte er. Ich möchte die Grenzen seines skulpturalen Potenzials ausloten. Und genau das tat er. Die Couture-Debütkollektion des niederländischen Designers für Jean Paul Gaultier war von Marie Antoinette inspiriert – allerdings nicht so, wie man zunächst denken könnte. Es waren nicht ihre brokatbesetzten Roben oder gepuderten Perücken, die Lantink faszinierten, sondern ihre Fähigkeit, Raum einzunehmen. Tüllroben blähten sich zu Op-Art-Skulpturen auf, weniger Kleid als optisches Ereignis, während sich andere Kreationen direkt aus dem Körper zu entwickeln schienen: röhrenförmige Formen, die nach aussen ragten, als sei das Kleidungsstück schlicht über seine Trägerin hinausgewachsen. Manches wurde genäht, wie es die Tradition verlangt. Anderes wurde gescannt, manches gedruckt, manches zu Form geflockt. Schönheit stand nicht immer im Vordergrund, und das war Absicht, keine Schwäche. Lantink ist ein Provokateur, ein Liebhaber des Absurden. Und einer, der sich traut, nach vorne zu denken.

Dior

Die amerikanische Bildhauerin Lynda Benglis verwandelt in ihrer Arbeit flache, zweidimensionale Materialien durch Verknoten, Fälteln, Formen in dreidimensionale Skulpturen. Jonathan Anderson hat sich schon einmal von ihrem Werk inspirieren lassen. Nun, bei Dior, tut er es erneut. Er übersetzte Benglis' Formensprache direkt in Stoff und verwandelte flache Textilien in etwas, das eher Skulptur als Kleidung ist. Metallische Töne dominierten – gehämmertes Silber, zu schleifenartigen Formen gelegtes Lamé –, während perlenbesetzte Fächer und Blumenstickereien an die langjährige Verbindung der Künstlerin zur westindischen Stadt Ahmedabad erinnerten. Vertraute Dior-Codes blieben präsent: Bar-Jackets, sanfte Grau- und Weisstöne, da und dort ein Aufblitzen von kräftigem Blau oder Grün. Die Kollektion wurde gefeiert – als selbstbewusst, als technisch brillant. Und der Beweis, dass Andersons Vision für die Maison nicht nur Substanz hat, sondern Bestand.