Zurich-based artist Lorenza Longhi (*1991 in Lecco, IT) has established a significant position in both the Swiss and international art scenes with her distinctive silkscreen paintings, sculptures, and site-specific installations. Her works reinterpret strategies, motifs, and slogans drawn from everyday consumer culture, making the act of copying explicitly visible while placing an aesthetic emphasis on her sleight of hand. Longhi’s work is characterised by striking contrasts: luxury meets a DIY aesthetic, roughness meets romantic floral patterns, vintage converges with the present, and critical analysis intertwines with beauty and humor. Noticed by a wider audience for her fragile replicas of USM Haller furniture pre-COVID, she has since expanded her artistic vocabulary beyond office-core (or perhaps its antithesis, depending on one’s interpretation of the series) to a multi-layered analysis of broader societal tendencies and the very system within which she operates: the art world.
I remember a temporary wall featured in her 2021 solo exhibition Minuet of Manners at Kunsthalle Zürich, which Longhi chose to paint in glossy white—a subtle, almost imperceptible moment of disruption that exemplifies a recurring strategy in her practice. Another piece that continues to resonate with me was on view in Longhi’s exhibition Visual Hell, New Location at FANTA in Milano in 2019: a makeshift display for her gallerists’ business cards titled Caretaker(s), composed of a piece of metal, a magazine page, and tape. Is the artist taking care of her gallerists? Or are the gallerists taking care of the artists? Getting to know Longhi reveals the fine line she navigates between earnestness and cheekiness. Referring to it as a strategy, however, feels inadequate—it appears inherent to the artist's nature.
Die in Zürich lebende Künstlerin Lorenza Longhi (*1991 in Lecco, IT) hat sich mit ihren Siebdrucken, Skulpturen und ortsspezifischen Installationen in der Schweizer und internationalen Kunstszene einen Namen gemacht. Ihre Arbeiten interpretieren Strategien, Motive und Slogans der Konsumkultur neu, machen den Akt des Kopierens sichtbar und betonen auf ästhetische Art und Weise ihr künstlerisches Geschick. Longhis Arbeiten zeichnen sich durch starke Kontraste aus: Luxus trifft auf DIY-Ästhetik, Raues auf romantische Blumenmuster, Vintage auf Gegenwart, kritische Analyse auf Schönheit, auf Humor. Einem breiten Publikum wurde die Italienerin durch ihre fragilen Repliken von USM-Haller-Möbeln ein Begriff. Seitdem hat sie ihr künstlerisches Vokabular über Office-Core (oder dessen Antithese, je nach Interpretation der Serie) hinaus erweitert, hin zu einer vielschichtigen Analyse gesellschaftlicher Tendenzen – und des Systems, in dem sie selbst agiert: der Kunstwelt.
Ich erinnere mich an eine Wand in ihrer Einzelausstellung Minuet of Manners in der Kunsthalle Zürich 2021, die Longhi in glänzendem Weiss gestrichen hatte – ein subtiler, fast unmerklicher Moment der Störung, der eine wiederkehrende Strategie in ihrer Praxis verdeutlicht. Ein weiteres Werk, das mir präsent bleibt, war 2019 in ihrer Einzelausstellung Visual Hell, New Location bei FANTA in Mailand zu sehen: Aus einem Stück Metall, einer Zeitschriftenseite und Klebeband fertigte sie unter dem Titel Caretaker(s) das Ausstellungsexemplar einer Visitenkarte ihrer Galeristen. Kümmern sich die Künstler um ihre Galeristen? Oder kümmern sich die Galeristen um die Künstlerin? Wer Longhi kennt, erkennt den schmalen Grat, auf dem sie sich zwischen Ernst und Augenzwinkern bewegt. Es als Strategie zu bezeichnen, erscheint jedoch unangemessen – es scheint vielmehr ein natürlicher Bestandteil des Wesens der Italienerin zu sein.
Say it With Flowers, 2024
Swiss based artist Lorenza Longhi
The first piece I encounter, installed in proximity to the foundation’s reception desk, is Norwegian artist Ida Ekblad’s Kraken Möbel (2019). This highly desirable sculptural piece of furniture—a blue bench with octopus-like legs—is usually placed in a garden, bearing visible signs of wear from its non-museum outdoor use. As we enter the exhibition space, we pass an elegantly crafted piece by Kaspar Müller: Titled The Weather in Zürich (2014), the photograph depicts Jean Tinguely’s kinetic sculpture Heureka (1963/64), which was donated to the city of Zurich by Walter Bechtler and installed at Lake Zurich in 1967 after heated public debates.
The main exhibition space is divided into two sections. The first half, almost entrée-like, is home to an array of sculptural works. Visitors are greeted by Katharina Fritsch’s Pudel (1995). Nearby, three chairs—Ultrasuperleggera (2003) by Simon Starling, notably missing its seat, Hocker (1987) by Fischli/Weiss, and Beni Hegglin’s 13 (2023), a collapsable stool—are arranged as if inviting visitors to sit and remove their shoes before venturing further into the exhibition. Meanwhile, Miriam Laura Leonardi’s Pair of Shoes (Unisex, Euro Size 35, 41 and 44) (2017), an arrangement of three pairs of handmade leather loafers, handmade by the artist and stamped—despite being the opposite of a readymade—with a logo spelling «Duchamp», gives the air that others had taken theirs off before you.
Das erste Werk, dem ich auf meinem Rundgang begegne, ist Kraken Möbel (2019) der norwegischen Künstlerin Ida Ekblad. Es handelt sich um ein skulpturales Möbelstück, eine blaue Bank mit krakenartigen Beinen, die normalerweise in einem Garten steht und Gebrauchsspuren ihrer nicht-musealen Nutzung aufweist. Als nächstes komme ich an einem Werk von Kaspar Müller vorbei: Die Fotografie mit dem Titel Das Wetter in Zürich (2014) zeigt Jean Tinguelys kinetische Skulptur Heureka (1963/64), die der Stadt Zürich von Walter Bechtler geschenkt und 1967 nach heftigen öffentlichen Diskussionen am Zürichsee aufgestellt worden ist.
Der Hauptausstellungsraum ist in zwei Bereiche unterteilt. Der erste zeigt skulpturale Werke. Der Besucher wird von Katharina Fritschs Pudel (1995) begrüsst. Drei Stühle – Simon Starlings Ultrasuperleggera (2003), Hocker (1987) von Fischli / Weiss und Beni Hegglins zusammenklappbare Schemmel 13 (2023) – sind so angeordnet, als wollten sie mich dazu einladen, die Schuhe auszuziehen, bevor ich die Ausstellung betrete. Miriam Laura Leonardis Werk Pair of Shoes (Unisex, Euro Size 35, 41 and 44) (2017), ein Arrangement aus drei Paar von der Künstlerin handgefertigten Lederschuhen, die – obwohl sie das Gegenteil eines Readymades, mit einem Logo mit der Aufschrift «Duchamp» versehen sind – den Eindruck erwecken, als hätten schon andere vor mir ihre Schuhe ausgezogen.
A closer inspection of the plinths these works are placed on reveals Longhi’s aforementioned characteristic subtle touch: The artist silkscreened these newly fabricated structures with artificial signs of wear and aging. «I wanted to add a silkscreen intervention to the plinths because I decided early on not to include my own work in the show. I was interested in exploring possibilities of display and wanted to add a pictorial touch to these plinths. In general, I don’t love pedestals, so I wanted to treat them as sculptural objects within the space.»
Peering through British artist Liam Gillick’s shelf-like sculpture Relieved Production Cycle (2007), we catch a glimpse of the exhibition’s second section, dedicated to wall works. Longhi, who mentions that she doesn’t differentiate between sculpture and painting in her own practice («I think about my wall works as sculptures, and I add handmade frames to them»), has chosen to distinguish the exhibits here solely based on their spatial orientation—whether they occupy wall or floor space.
Bei näherer Betrachtung der Sockel, auf denen die Werke stehen, offenbart sich die subtile Note Longhis: Die Künstlerin hat die neu gefertigten Strukturen mit künstlichen Abnutzungsspuren überzogen. «Ich wollte die Sockel mit einer Siebdruckintervention versehen, weil ich früh beschlossen hatte, keine meiner eigenen Arbeiten in die Ausstellung aufzunehmen. Ich war daran interessiert, die Möglichkeiten der Präsentation zu untersuchen, und wollte diesen Podesten eine künstlerische Note verleihen. Ich bin kein Freund von Sockeln, also wollte ich sie als skulpturale Objekte im Raum behandeln.»
Beim Blick durch die regalartige Skulptur Relieved Production Cycle (2007) von Liam Gillick eröffnet sich mir der zweite Teil des Raums, der Wandarbeiten gewidmet ist. Longhi, die betont, dass sie in ihrer eigenen Praxis nicht zwischen Skulptur und Malerei unterscheidet («Ich betrachte meine Wandarbeiten als Skulpturen und versehe sie mit handgefertigten Rahmen»), hat die Exponate nach ihrer räumlichen Ausrichtung aufgeteilt: ob sie Wand- oder Bodenfläche einnehmen.
Exhibition views of The Best, The Rest, and The Unexpected Guests,
curated by Lorenza Longhi.
Urban Zellweger’s Pizzabox XLIII (2022), part of a series of painted cardboard boxes from pizza delivery services, despite being typically presented as a painting, is displayed as a sculptural object on a plinth in the exhibition’s first section. In contrast, sculptures such as works by Josh Smith and Sylvie Fleury, which are technically wall pieces, are arranged in the second section. Here, Lorenza Longhi has densely arranged the works, allowing a close dialogue between them. Artist Sveta Mordovskaya uses makeup to sign the wall above Louise Lawler’s photo-conceptual piece and Janine Antoni’s mascara drawing Butterfly Kisses (1993). Meanwhile, Ida Ekblad’s large-scale painting Never Would I, Nor Will You (2019) seems almost made for the space, as Longhi chose to hang it so that it embraces one of the exhibition windows on three sides, seamlessly integrating the architecture into the work.
Inviting artists to curate exhibitions is a staple of institutional programming, as it promises a fresh perspective on familiar collections. The task Lorenza Longhi has undertaken here is no easy one, particularly given the diversity of the collections brought together in the space. Nonetheless, she has succeeded at composing a compelling presentation, with her artistic position evident in each of the curatorial decisions taken.
The Best, the Rest and the Unexpected Guest is on view at Bechtler Stiftung in Uster until the 21st of April 2025.
Urban Zellwegers Pizzabox XLIII (2022), Teil einer Serie von bemalten Pappkartons von Pizzalieferdiensten, die typischerweise als Gemälde präsentiert werden, wird als skulpturales Objekt auf einem Sockel gezeigt, und Skulpturen von Josh Smith und Sylvie Fleury sind in der zweiten Sektion, derjenigen der Wandarbeiten ausgestellt. Hier hat Longhi durch die dichte Anordnung der Werke ermöglicht, dass ein Dialog zwischen ihnen entsteht. Sveta Mordovskaya hat die Wand über Louise Lawlers fotokonzeptioneller Arbeit und Janine Antonis Mascara-Zeichnung Butterfly Kisses (1993) mit Make-up signiert. Das grossformatige Gemälde Never Would I, Nor Will You (2019) von Ida Ekblad scheint wie geschaffen für den Raum: Longhi hat es so positioniert, dass es eines der Fenster als eine Art nahtlose Integration der Architektur in das Werk auf drei Seiten umschliesst.
Die Einladung von Künstlerinnen und Künstlern zur Kuratierung von Ausstellungen verspricht neue Perspektiven auf bekannte Sammlungen. Die Aufgabe, die Lorenza Longhi in der Bechtler Stiftung übernommen hat, ist keine einfache, insbesondere angesichts der Vielfalt der Werke, die in diesem Raum versammelt sind. Aber ist es ihr gelungen, eine Ausstellung zu gestalten, bei der ihre eigene künstlerische Position in jeder der getroffenen Entscheidungen sichtbar wird.
The Best, the Rest and the Unexpected Guest ist bis 21. April 2025 in der Bechtler Stiftung in Uster zu sehen.