Die Werke von Ida Ekblad entstehen aus dem, was die Welt bereits begonnen hat zu formen. Die norwegische Künstlerin – geboren 1980 in der Hauptstadt Oslo – sammelt, kombiniert und befragt: Fundstücke mit Geschichte, Sprache, die sich selbst widerspricht. Ihre Gemälde, Skulpturen und Texte bewegen sich zwischen Kontrolle und Hingabe, zwischen präziser Beobachtung und produktivem Chaos – so wie Book of Boredom (2022), nur eines unter mehreren Werken von Ekblad, die aktuell im Rahmen von Art in the Park in Zürichs Hotel Baur au Lac zu sehen sind. Anlass für ein Gespräch über Wurzeln, Spontaneität, Freiheit und Resilienz.

KM Oslo ist dein Geburtsort und bis heute dein Zuhause – eine Stadt, die du selbst als zentral für dein kreatives Schaffen beschrieben hast. Inwiefern hat Oslo dich als Künstlerin geprägt?

IE Enorm. Die Stadt ist klein genug, um in der Arbeit zu verschwinden, und doch gross genug, dass Interessantes passiert. Ich liebe den Fjord und die Natur, die ihn umgibt. Diese Abgeschiedenheit bietet Freiheit. Oslo ist keine glamouröse Stadt.

KM War es je eine Option, wegzuziehen, woanders heimisch zu werden?

IE Ich träume von Italien, aber am besten habe ich immer gearbeitet, wo ich aufgewachsen bin. Die Landschaft, das Wetter, die Sprache, selbst die besondere Art der Langeweile, mit der ich hier zu leben gelernt habe – all das hat mein Schaffen genährt. Ich mag Wetter. Ich mag Jahreszeiten. Ich mag die Dunkelheit. Ich hasse die Dunkelheit. Ich beklage mich über Oslo, aber wenn ich weg bin, vermisse ich die Stadt. Ich reise viel – aber sie bleibt einer der wenigen Orte, an denen ich wirklich denken kann

KM Deine Praxis wurde beschrieben als geleitet vom Zufall, mobilisiert von grosser Neugier und angetrieben durch die unablässige Aktivität des Machens, deine Werke als von einer unverwechselbaren Lebendigkeit und Spontaneität durchdrungen. Wie bewusst geplant ist dein Prozess?

IE Meist beginne ich mit einer Energie, einem Duft, einer Erinnerung, einem Problem oder einer materiellen Situation – und schaue dann, wohin sie mich führt.

KM Und wie erkennst du, wann ein Werk vollendet ist?

IE Ein Werk ist fertig, wenn es mir zu entziehen beginnt. Irgendwann entwickelt es seine eigene innere Logik – und jeder weitere Eingriff fühlt sich an wie Vandalismus. Es ist weniger eine Entscheidung als eine Erkenntnis.

KM Vieles in deiner Arbeit kreist um Fundstücke. Was zieht dich an am Weggeworfenen, am Verfallenen, am Übersehenen? Steckt dahinter eine philosophische Haltung oder ist diese Affinität eher intuitiver Natur?

IE In erster Linie ist es Neugier. Ich arbeite lieber mit Materialien, die mit einer eigenen Geschichte kommen, als mit leeren Oberflächen. Weggeworfene Objekte enthalten Information, sie tragen Spuren von Gebrauch, Zufällen, Witterung, Begehren. Es geht mir nicht ums Recycling als moralische Haltung, sondern darum, Gegenstände zu finden, an denen die Welt bereits begonnen hat, die Arbeit für mich zu machen: Ein silbrig-blauer, verbogener Sonnenschirmständer aus den Sechzigern und die Spuren einer russgeschwärzten Pfeife aus dem achtzehnten Jahrhundert – und plötzlich treffen sie in einer Pfütze aus frischem Beton aufeinander. So etwas könnte mich interessieren.

KM Du hast einmal gesagt, Malerei funktioniere wie ein Geheimnis, wie verhüllte Poesie – ein Gefäss für eine sehr präzise Sprache, artikulierter als jede aus Buchstaben geformte es je zu sein erträumen könnte. Was kannst du mit Malerei ausdrücken, wofür die dir Worte fehlen?

IE Worte sind unglaublich mächtig, aber sie sind immer an Einverständnis gebunden: Wir müssen uns darüber einigen, was sie bedeuten. Was mich interessiert, ist Sprache, wenn sie sich zu benehmen aufhört: Kauderwelsch, Stottern, Fehler, Doppeldeutigkeiten, Sprache, die janusköpfig wird, in beide Richtungen schaut. Malerei setzt kein Einverständnis voraus. Sie kann Widersprüche halten, Stimmungen, körperliche Empfindungen und Wissensformen, die sich schwer umschreiben lassen. Ein Gemälde kann Präzises aussagen, ohne eindeutig zu sein. Es kann etwas unmittelbar mitteilen und dabei im Kern rätselhaft bleiben. Mein Mann schreibt Bücher, aber er schreckt davor zurück, sie zu übersetzen. Stell dir vor, du müsstest deine Malerei für verschiedene Länder übersetzen ... Vielleicht bringen dich die besten Gemälde einem Wissen näher, das du längst in dir trägst, aber nie hast greifen können?

KM Und doch ist Schreiben Teil deiner Praxis. Du hast gesagt, Gedichte schreiben gehört zum Versuch, den Verstand zu bewahren – oder ihn zu verlieren. Ich vergesse immer, was von beidem. Wie begegnen sich Text und Malerei in deinem Schaffen?

IE Beide entspringen demselben Impuls, aber sie lösen verschiedene Probleme.

KM Inwiefern?

IE Schreiben erlaubt mir, Gedanken, Assoziationen und Rhythmen durch Sprache zu verfolgen. Ich empfinde Sprache als etwas Skulpturales – wie Essen im Mund, mit Geschmack und Textur. Malerei erlaubt mir, ganz ohne Sprache zu denken. Manchmal nährt die Poesie die Malerei manchmal funktioniert sie als Ventil, wenn ein Gemälde nicht ausdrücken kann, was ich zu ergründen versuche. Am Ende geht es bei beidem um dasselbe, glaube ich: Aufmerksamkeit für unerwartete Verbindungen.

KM Ein weiteres wiederkehrendes Element deiner Arbeit sind Kollaborationen – mit Musikern, DJs, Sängerinnen. Was verändert der Modus der Zusammenarbeit? Gibt es Dinge, die du nur im Austausch mit anderen zum Ausdruck bringen kannst?

IE Absolut. Kollaboration bringt Unvorhersehbarkeit – und das gefällt mir. Wenn ich allein arbeite, verhandle ich meistens mit meinen eigenen Träumen, Gewohnheiten und Grenzen. Sobald andere Künstler, Musikerinnen oder Performerinnen ins Spiel kommen, gewinnt die Arbeit eine soziale Dimension und beginnt, Situationen hervorzubringen, die ich nie hätte planen können. Es geht weniger um Kontrolle und mehr ums Zuhören oder Entdecken. Vielleicht entstehen gewissen Energien nur zwischen Menschen – und doch kann manchmal auch ein Gemälde oder ein Gedicht diese Gegenwart ersetzen. Manchmal vielleicht sogar überzeugender.

KM Du hast zweimal an der Venedig Biennale teilgenommen (2011 und 2017), in bedeutenden Institutionen in Europa und Amerika ausgestellt und bist aktuell mit Art in the Park hier in Zürich präsent. Verändern institutionelle Kontexte deine Arbeitsweise, oder bleibt der Ausgangspunkt immer derselbe?

IE Die Dimensionen ändert sich natürlich. Ein öffentlicher Park, eine Biennale und eine kleine Galerie stellen verschiedene Anforderungen, aber die grundlegenden Fragen bleiben erstaunlich ähnlich. Jedes Projekt beginnt mit Materialien, Raum, Zeit und Neugier. Ich versuche, den Kern der Arbeit nicht dem Prestige des Kontexts anzupassen. Wenn überhaupt, machen grosse Institutionen es noch wichtiger, eine gewisse Intimität und ein gewisses Risiko oder eine gewisse Dramatik zu bewahren.

KM Eine andere Beschreibung deiner Arbeit erzählt, wie du mit dem Bestehenden ringst, mit dem Kontext kämpfst und dich an dem Widerstand von Material, Geschichte und Erwartungen reibst. Ist die Kunst für dich Aufbegehren oder Ergeben? Oder beides?

IE Beides. Der Widerstand steckt im täglichen Erscheinen, im Ringen mit Materialien und im Ausschlagen bestimmter Lösungen. Aber sich hinzugeben ist genauso wichtig. Gute Arbeit entsteht oft, wenn man aufhört, den Prozess dominieren zu wollen, und sich erlaubt, etwas zu folgen, das man noch nicht ganz versteht, sich im Atelier in einer Art Trance zu verlieren.

KM Etwas anderes, dem du dich ergeben musstest – dich ergeben durftest – ist der Erfolg. Und mit ihm das unvermeidliche Paradox: Mit der Anerkennung wächst die Freiheit, und gleichzeitig wachsen die Erwartungen. Spürst du diese Spannung?

IE Natürlich. Anerkennung schafft Möglichkeiten – aber er zieht auch Erwartungen nach sich, wer man zu sein hat.

KM Hat der Erfolg deine Praxis je massgeblich beeinflusst – im Guten wie im Schlechten?

IE Die grosse Herausforderung besteht darin, sich nicht zu sehr an diese Narrative zu klammern. Märkte, Institutionen und Publikum entwickeln unweigerlich Erwartungen – aber wenn man beginnt, primär für deren Erfüllung zu arbeiten, wird die Arbeit sehr schnell schal und uninspiriert. Das Privileg einer langen Karriere ist die Freiheit, sich selbst immer wieder zu überraschen. Nach genug Misserfolgen, Umwegen, Triumphen und Katastrophen wird man seltsam widerstandsfähig. Ein bisschen wie ein Terminator, eigentlich.

KM Seit du deine Karriere in den frühen 2000er Jahren begonnen hast, hat sich die Kunstwelt grundlegend gewandelt – das Aufkommen der sozialen Medien, die Explosion der Kunstmessen, der NFT-Moment, veränderte Sammlerdemografien. Was sind aus deiner heutigen Perspektive die bedeutsamsten Veränderungen in der Art, wie Kunst gemacht, gezeigt und verkauft wird?

IE Ich bin keine Expertin, aber dass sich die Geschwindigkeit verändert hat, lässt sich nicht leugnen. Bilder zirkulieren innerhalb von Sekunden weltweit, Karrieren gehen über Nacht durch die Decke, Künstlerinnen und Künstler sehen sich mit dem konstantem Druck konfrontiert, ständig sichtbar zu sein ... Und doch ist auch vieles gleich geblieben. Kunst verlangt noch immer, was sie schon immer gebraucht hat: Aufmerksamkeit, Geduld, Zweifel, Arbeit.

KM Was würdest du einer jungen Künstlerin heute mitgeben, was dir niemand gesagt hat – oder sagen musste – als du anfingst?

IE Ich bin eigentlich keine Freundin guter Ratschläge... aber wenn etwas, dann dies: Sichtbarkeit ist nicht dasselbe wie Entwicklung. Bau eine Praxis auf, bevor du ein Profil aufbaust. Verbring mehr Zeit im Atelier. Lies viel, schau genau hin und lass dich nicht drängen, eine fertige Version von dir selbst zu werden. Und vertrau darauf, dass deine Kunst den Weg kennt – meistens früher als du selbst.

Die von Gigi Kracht initiierte und kuratierte Ausstellung Art in the Park gehört seit 25 Jahren zum Zürcher Kulturkalender. In Zusammenarbeit mit der Zürcher Galerie Karma International zeigt sie in ihrer 2026-Edition noch bis zum 21. Juli die Einzelausstellung von Ida Ekblad.

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