Das Werk von Pamela Rosenkranz (*1979) beschäftigt sich mit der Beziehung zwischen dem menschlichen Körper, seiner Physiologie und einer sich rasant verändernden Umwelt. Ihre Arbeiten bestehen häufig aus Installationen und Readymade-Skulpturen, die auf ikonische Kunstwerke oder alltägliche Objekte wie Amazon-Verpackungen und Wasserflaschen Bezug nehmen. Die Ausstellung Liquid Body im Stedelijk Museum in Amsterdam – die erste der Schweizer Künstlerin in den Niederlanden – verwandelt das Museum in eine sinnliche Umgebung, in der die Grenze zwischen Wahrnehmung und Materie aufgelöst wird. Sie zeigt eine Mischung aus neuen Arbeiten und Schlüsselwerken aus ihren früheren Projekten.

Ob als Indikatoren des Klimawandels, Ressourcen für die Pharmaindustrie, TikTok-Trends oder Sinnbilder nachhaltiger Ernährung – Pflanzen verkörpern in unserer Gegenwartsgesellschaft die komplexe, oft widersprüchliche Beziehung zwischen Mensch und Natur. Die Ausstellung Botanical Murmurs versammelt eine Vielzahl künstlerischer Positionen – von persönlichen Erzählungen über wissenschaftliche Dokumentationen bis hin zu virtuellen Erkundungen und Archivmaterial – und spürt den vielschichtigen Bedeutungen der Pflanzenwelt im heutigen kulturellen Kontext nach. Sie zeigt, auf wie vielfältige Weise sich Kunstschaffende mit dem Pflanzenreich auseinandersetzen – und welche Formen diese Auseinandersetzung annehmen kann.

Zwei emblematische Figuren der zeitgenössischen Kunst, Niki de Saint Phalle (1930–2002) und Jean Tinguely (1925–1991), stellten die konventionellen Vorstellungen von Kunst in Frage und wurden sowohl in ihrem Leben als auch in ihrer Kunst von Rebellion angetrieben. Nun wird das ikonische Paar in einer umfassenden Ausstellung bei Hauser & Wirth Somerset wieder vereint. Die Ausstellung zeigt das visionäre künstlerische Schaffen von Saint Phalle und Tinguely sowie ihre langjährige kreative Zusammenarbeit über drei Jahrzehnte. Zu sehen sind Werke auf Papier und dekorative Kunst von Saint Phalle, ihre Schiessbilder und Freiluftskulpturen, Tinguelys kinetische Maschinen aus den 1950er-Jahren bis zum letzten Jahr seines Lebens sowie eine Reihe gemeinsamer Arbeiten aus den 1980er-Jahren.

Die Ausstellung Void Vortex im Kunstmuseum St. Gallen zeigt Werke, die sich mit dem Konzept der Leere und der Präsenz von Abwesenheit in der Kunst auseinandersetzen. Der Titel bezieht sich dabei auf ein Gemälde des amerikanischen Künstlers Steven Parrino (1958–2005), das dieser dem Museum im Jahr 2003 vermacht hat. Gezeigt werden monochrome Gemälde und konzeptuelle Arbeiten, die reine Ideen vermitteln, sich mit dem Nichts und der Abwesenheit physischer Elemente beschäftigen und dadurch Raum für Gedanken und Assoziationen schaffen.

Jeremy Shaw (*1977) arbeitet mit verschiedenen Medien, um veränderte Bewusstseinszustände sowie die kulturellen und wissenschaftlichen Systeme zu untersuchen, die versuchen, transzendente Erfahrungen zu erfassen. Indem er Elemente aus dem Direct Cinema, der Konzeptkunst, Musikvideos und wissenschaftlicher Recherche kombiniert, stellt der kanadische Künstler das Bild als objektives Zeugnis infrage. Die Ausstellung in der Secession zeigt mehrere seiner neuesten grossformatigen Installationen.

Die britische Künstlerin Monster Chetwynd (*1973), die seit 2020 in Zürich lebt, hat der Kunstszene mit ihrer radikalen Bildsprache und ungewöhnlichen Persönlichkeit einen ganz eigenen Stempel aufgedrückt. Ihre vielseitige Praxis vereint Performance, Skulptur, Malerei, Installation und Video auf spielerische und zugleich tiefgründige Weise. Im Laufe ihrer Karriere hat sie mehrfach ihren Namen geändert – 2006 zu Spartacus Chetwynd, 2013 zu Marvin Gaye Chetwynd und schliesslich 2018 zu Monster Chetwynd – jede Namensänderung ein Ausdruck ihrer sich wandelnden künstlerischen Identität. Ihre Einzelausstellung im Kunsthaus Zürich zeigt einen umfassenden Überblick über 25 Jahre unkonventionelles, genreübergreifendes Schaffen.