Les œuvres de Jenny Saville (1970) dissèquent, exposent et reconstruisent le corps humain avec l’intensité viscérale d’un chirurgien et la maîtrise d’un grand peintre. S’inspirant des études anatomiques de la Renaissance et des imageries médicales contemporaines, elles remettent en question les canons traditionnels de beauté et de féminité, tout en révélant l’obsession profonde de l’artiste pour la peau, la chair, l’identité et le passage du temps. The Anatomy of Painting, sa première grande exposition muséale au Royaume-Uni, réunit plus de 50 œuvres : dessins rares, toiles monumentales et nouveaux portraits fluorescents qui explorent la tension entre corps physique et monde numérique.

L’artiste suédoise Klara Lidén (1979), basée à Berlin, décrit sa pratique comme un démontage : elle déconstruit et recontextualise des éléments du paysage urbain afin d’en révéler de nouvelles significations, suscitant une réflexion sur la vie en ville, l’espace personnel et le rôle de l’art dans l’espace public. Over, Out and Above – la première exposition personnelle de Lidén dans une institution suisse – investit les deux étages de la Kunsthalle Zürich, réunissant des œuvres antérieures et de nouvelles pièces créées spécialement pour l’occasion. Cette exposition marque également les débuts curatoriaux de Fanny Hauser dans son nouveau rôle de directrice de l’institution.

Longtemps resté dans l’ombre de son célèbre frère Alberto, Diego Giacometti (1902–1985) est enfin mis à l’honneur comme artiste à part entière dans cette exposition au Bündner Kunstmuseum. Bien avant la disparition d’Alberto en 1966, Diego créait déjà ses propres œuvres : des tables, lampes, chaises et sculptures en bronze, élégantes et souvent empreintes de fantaisie, reconnaissables à leurs lignes élancées, motifs animaliers et surfaces finement travaillées. Ces pièces allient savoir-faire artisanal et poésie onirique, à la croisée du design et de la sculpture. L’exposition dévoile pour la première fois ces œuvres de jeunesse, restées jusqu’ici méconnues, qui posent les bases de sa démarche artistique ultérieure.

Portée par une profonde réflexion sur le corps et la matérialité, Ser Serpas (1995) explore des formes à la fois corporelles et poétiques à travers la peinture et la sculpture. À l’occasion de Of My Life, sa plus grande exposition personnelle en Suisse, elle dévoile la richesse de son langage plastique, en questionnant les frontières entre le corps, le temps et les images éphémères qui les relient. L’exposition met notamment en lumière sa collaboration avec le Margo Korableva Performance Theatre de Tbilissi, à travers la réinterprétation de performances sélectionnées, créant un dialogue vivant entre art performatif et sculpture.

À travers son travail, Rebecca Brodskis (1988) explore les frontières entre le conscient et l'inconscient, nous invitant à questionner non seulement la manière dont nous nous relions aux autres, mais aussi les constructions sociales qui façonnent et limitent ces relations. Dans Together Separated, l’artiste française propose une méditation subtile mais percutante sur les tensions entre proximité et déconnexion. Chaque composition révèle une distance émotionnelle qui contredit la proximité physique des corps, mettant en lumière, de façon discrète, notre tendance à devenir des îles isolées, simulant des relations dans un monde où la visibilité est constante, mais où les échanges profonds et significatifs se font de plus en plus rares.

Artiste d’une originalité puissante et d’une vision singulière, Meret Oppenheim (1913–1985) demeure l’une des figures les plus dynamiques de l’art du XXe siècle. Imprégnée d’humour et d’une profonde indépendance intellectuelle, l’œuvre de cette artiste suisse explore avec acuité les thèmes de l’identité et de la sexualité. Et bien qu’elle ait été affiliée à plusieurs mouvements artistiques influents, dont le surréalisme et le dadaïsme, Oppenheim a toujours échappé à toute catégorisation. L’exposition présentée chez Hauser & Wirth à Bâle réunit peintures, dessins, sculptures et objets de design, couvrant une période allant des années 1930 aux années 1970, avec plusieurs œuvres rarement exposées jusqu’à présent.

Depuis son installation à Panajachel, au Guatemala, dans les années 1980, Vivian Suter (1949) a développé une pratique picturale gestuelle et colorée qui s’est progressivement transformée en une forme de documentation environnementale. Ses toiles portent les traces non seulement de ses gestes d’artiste, mais aussi de la flore, de la faune et des aléas climatiques — autant de marques d’une acceptation sereine et lucide des forces naturelles qui façonnent nos existences, tout comme de l’impermanence de l’art. La vaste rétrospective Disco, présentée cet été, réunit quelque 500 œuvres réalisées au cours des dix dernières années.

Tout au long de sa vie, Gabriele Stötzer (1953) a profondément utilisé le corps, à la fois comme un médium essentiel et un ultime recours. Pour elle, le corps est un lieu d’expression intuitive, de protestation subtile et de transformation radicale. With Hand & Foot, Skin & Hair invite les spectateurs à s’immerger dans son langage visuel évocateur et dans l’utilisation du corps comme un moyen d’expression à la fois intime et puissant. Les photographies présentées soulignent les intersections clés de son œuvre : entre l’action consciente (main et pied) et l’intimité viscérale (peau et cheveux).