Trois femmes, trois démarches, une seule obsession. Le rapprochement de Cathy Josefowitz (1956–2014), Maria Lassnig (1919–2014) et Carol Rama (1918–2015), réunies pour la première fois, s'impose comme une reconnaissance trop longtemps différée. Toutes trois ont cartographié le corps féminin de l'intérieur, comme seul territoire véritablement connu. Lassnig y traquait la sensation avec une précision presque clinique. Rama y avançait par le désir, la rupture, l'excès. Josefowitz par une inquiétude de la forme, plus libre, plus architecturale. Intimate Anatomies laisse ces trois pratiques coexister sans les réconcilier – et le corps, fragmenté, parfois jubilatoire, parfois inquiétant, finit par parler seul.

Arles s'enrichit cet été d'une nouvelle institution. Le Fonds Bustamante ouvre le 9 juillet dans l'ancienne Église Sainte-Croix du XIIe siècle, dans le quartier de la Roquette, restaurée par Charles Zana selon une approche qui révèle les strates successives du bâtiment sans les effacer, et l'exposition inaugurale donne le ton de ce que la fondation entend être. En Miroirs réunit les œuvres de Jean-Marc Bustamante et celles d'artistes qu'il a personnellement choisis : Cristina Iglesias, Thomas Schütte, Franz West, Rodney Graham, Jan Vercruysse, René Daniëls, entre autres, peintres, photographes et sculpteurs de différentes générations qui ont nourri sa pensée ou partagent des affinités particulières avec sa pratique. Le résultat tient moins de l'exposition collective que du portrait d'une vie artistique racontée à travers ses influences, ses admirations et ses complicités.

Sa rétrospective au Guggenheim à peine refermée, le solo show de Rashid Johnson à l'Auditorium Oscar Niemeyer semble à la hauteur de ce moment : peintures, sculptures et bronzes conçus spécifiquement pour le domaine, ainsi qu'un film qui prolonge son intérêt de longue date pour le temps, la voix et l'expérience collective. Dans le Pavillon Renzo Piano, Sheree Hovsepian présente de nouvelles sculptures développées en dialogue direct avec l'architecture partiellement souterraine du pavillon — des œuvres qui explorent la fragmentation et l'absence dans un espace qui semble déjà retenir son souffle. La Galerie Richard Rogers accueille la troisième exposition, Rashid, Sheree and Friends, une exposition collective réunissant plus de seize artistes issus du cercle proche du couple. Ensemble, les trois expositions forment quelque chose de plus rare qu'une rétrospective : le portrait de deux artistes, de leur pratique, et du monde qu'ils ont construit autour d'eux.

Vilhelm Hammershøi (1864–1916) a peint les mêmes choses, encore et encore : des pièces vides, des portes closes, des fenêtres laissant entrer une lumière nordique et pâle, sa femme Ida vue de dos. Ce qui devrait sembler répétitif tient davantage de la dévotion, à la perception, à l'atmosphère, au drame imperceptible d'une pièce qui attend que quelque chose se passe. Le Kunsthaus Zürich présente la première rétrospective complète en Suisse consacrée au peintre danois, allant au-delà des intérieurs emblématiques pour inclure portraits, paysages urbains et paysages, et mettant son œuvre en dialogue avec des artistes qui partagent son instinct pour l'immobilité suspendue. La compagnie qu'il fréquente ici, Menzel, Borremans, entre autres, confirme ce que les pièces ont toujours laissé entendre : que Hammershøi n'appartient à aucun mouvement, seulement à une certaine qualité du regard.

Depuis plus de trente ans, Shirana Shahbazi (née en 1974) développe une pratique qui circule librement entre techniques analogiques, sérigraphie, lithographie et installation spatiale à grande échelle, en partant toujours de la photographie sans jamais s'y arrêter. Son sujet, à travers tout cela, c'est l'expérience de vivre simultanément dans plusieurs réalités : culturelles, spatiales, émotionnelles. Au Kunstmuseum Luzern, elle investit le white cube de Jean Nouvel avec de vastes installations, dont beaucoup n'ont jamais été montrées, en dialogue avec l'artiste israélienne Li Tavor et avec les structures géométriques en miroir de l'Iranienne Monir Shahroudy Farmanfarmaian. Le résultat tient moins de l'exposition que d'un environnement, qui ne demande pas ce que les images représentent, mais ce qu'elles font aux personnes qui se tiennent à l'intérieur.

Dana Schutz (née en 1976) est connue pour des peintures qui tiennent du cauchemar éveillé : compositions denses, couleurs hallucinées, personnages pris dans des situations impossibles qui sonnent pourtant juste comme autant de portraits du monde contemporain. Trouble and Appearance présente ces toiles aux côtés de quelque chose de moins attendu, une série de nouvelles œuvres au fusain, des dessins muraux pouvant atteindre six mètres, qui convoquent délibérément les murals des expressionnistes abstraits américains et font leur première mondiale à Munich. La couleur a disparu. Ce qui reste, c'est le trait, la masse, et une obscurité qui lui va finalement très bien. Ses monotypes – moins connus, grand format, d'un inquiétant discret – plaident dans le même sens, le malaise était toujours dans le trait, pas dans la couleur.

Georg Baselitz est mort le 30 avril 2026. La double exposition que lui consacre le Museum der Moderne Salzburg prend dès lors une tout autre dimension. Ce qui devait célébrer l'œuvre d'un vivant est devenu une affaire plus grave : celle d'une vie entière, vue dans son étendue. Au Rupertinum, les débuts : œuvres graphiques des années 1960, structurées autour des quatre manifestes d'un jeune étudiant expulsé d'une école d'art est-allemande, qui s'obstinait à défendre la figuration contre la marée montante de l'abstraction. Au Mönchsberg, la fin : grandes toiles tardives dont certaines portent les sillons du fauteuil roulant avec lequel il peignait encore, portraits qui regardent la mort sans détourner les yeux. Ce que les deux bâtiments donnent à voir, ensemble, c'est la durée, une exigence qui n'a pas fléchi. Dans la ville où Baselitz a choisi de finir ses jours, l'œuvre se referme, et s'impose.

Ana Mendieta (1948–1985) parlait du corps en le rendant à la terre. Sa série des Siluetas, silhouettes de son propre corps imprimées dans la boue, tracées en fleurs, brûlées dans l'herbe, immergées dans l'eau, comptent parmi les images les plus saisissantes de l'art de la fin du 20e siècle : à la fois tendres et violentes, éphémères et indélébiles. Expulsée de Cuba à douze ans dans le cadre de l'opération Peter Pan, elle a passé sa carrière à demander où appartient un corps quand il a été arraché à ses origines. La réponse, encore et encore, était le paysage lui-même. Cette grande rétrospective, plus de 150 œuvres dont des films nouvellement remasterisés, des peintures de jeunesse rarement montrées et des sculptures tardives pour beaucoup inédites au Royaume-Uni, est la première présentation approfondie de son œuvre ici depuis plus d'une décennie.

Deux artistes qui ne se sont jamais rencontrés, réunis par ce qu'ils ont refusé : Herbert Boeckl (1894–1966) et Hans Josephsohn (1920–2012) ont tous deux résisté à l'attrait de l'abstraction au moment où elle dominait l'art d'après-guerre, revenant sans cesse à la figure humaine comme seul sujet qui vaille. Boeckl par la peinture, brute, marquée par Cézanne, d'une intensité expressionniste. Josephsohn par le plâtre travaillé à mains nues, les empreintes de doigts incrustées dans la surface, puis coulé en bronze : des figures denses, comprimées, qui dans leur phase tardive évoquent à peine le corps, se rapprochant davantage de la matière géologique, de la chose qui a survécu. Le dialogue que propose le Leopold Museum entre ces deux positions, formellement inattendu, historiquement chargé, est l'une des révélations les plus discrètes de l'été.