Dans une exposition d’envergure, la Fotostiftung Schweiz met en lumière un chapitre longtemps négligé de l’histoire de la photographie suisse : le travail de femmes photographes actives entre 1900 et 1970. En se penchant sur sept figures pionnières — Anny Wild-Siber, Gertrud Dübi-Müller, Marie Ottomann-Rothacher, Margrit Aschwanden, Hedy Bumbacher, Leni Willimann-Thöni et Anita Niesz — l’exposition examine non seulement leurs images, mais aussi les conditions dans lesquelles ces femmes ont travaillé et la manière dont leurs contributions ont été marginalisées dans les récits historiques dominants. Frauen. Fragen. Fotoarchive. invite ainsi à réfléchir aux biais, aux silences et aux lacunes structurelles à l’œuvre dans l’archivage et l’écriture de l’histoire de la photographie.

À travers la peinture, la vidéo, le textile, le néon, l’écriture, la sculpture et l’installation, Tracey Emin (née en 1963) ne cesse de repousser les limites et s’impose aujourd’hui comme l’une des artistes contemporaines majeures de sa génération. En abolissant sans concession la frontière entre l’intime et le public, et par une pratique fondée sur une expression radicalement personnelle, elle a marqué un moment charnière de la culture britannique, dont l’écho s’est fait sentir bien au-delà de ses frontières. Présentée à la Tate Modern, cette exposition d’envergure retrace 40 ans d’une œuvre aussi novatrice que profondément singulière, réunissant des pièces emblématiques de sa carrière et des travaux jamais exposés auparavant. Elle célèbre une approche confessionnelle et sans détour des thèmes de l’amour, du traumatisme et de l’autobiographie, tout en mettant en lumière l’attachement constant de l’artiste à la peinture : les œuvres récentes y apparaissent comme l’aboutissement d’un dialogue de toute une vie entre l’art et l’expérience vécue.

Considéré comme l’un des peintres d’histoire contemporains les plus influents de sa génération, Kerry James Marshall (né en 1955) développe une œuvre monumentale et profondément engagée. À travers ses peintures, il explore les questions de représentation, de pouvoir, d’appartenance et de mémoire historique, tout en revendiquant avec force la joie, la présence et l’espoir. Après la présentation de The Histories à la Royal Academy de Londres à l’automne dernier, le Kunsthaus Zürich consacre à l’artiste sa première grande exposition d’envergure dans l’espace germanophone. L’exposition réunit des œuvres réalisées entre 1980 et aujourd’hui, dont une nouvelle série spectaculaire de huit peintures conçues spécialement pour l’occasion.

Passion, désir, luxure, jalousie, ruse, tromperie : les Métamorphoses d’Ovide, composées vers 8 EC, ont été et restent l’une des sources d’inspiration les plus fécondes pour les artistes à travers les siècles. Dans ce poème épique, dieux, humains et créatures se transforment dans des récits d’amour, d’envie, de vengeance et de désir — une célébration du changement qui résonne à travers les œuvres présentées au Rijksmuseum d’Amsterdam. De Titian, Correggio et Caravaggio à Rodin, Brancusi, Magritte et Bourgeois, l’exposition montre comment les mythes d’Ovide continuent de nourrir la créativité, mettant en lumière à la fois l’ampleur historique et la vitalité toujours actuelle de son influence.

À travers ses sculptures, objets trouvés, écrits et films, Marina Xenofontos (née en 1988) explore les manifestations matérielles de l’idéologie et du savoir, en s’appuyant à la fois sur ses archives personnelles et sur le contexte historique de Chypre, où elle est née. L’exposition Play Life s’articule autour de la question du double. S’appuyant sur des gestes de déplacement, de réplication et de transformation, Xenofontos invite à réfléchir aux frontières poreuses entre authenticité et imitation, présence et simulation. Au centre de l’exposition se trouve le jeu vidéo Twice Upon a While (2018–2025), présenté pour la première fois dans sa forme définitive, dans lequel les visiteurs deviennent des participants actifs d’une interaction fluide entre différents niveaux de réalité et de contexte.

En 1933, Ernst Ludwig Kirchner écrivait avec enthousiasme au sujet d’une exposition envisagée qui aurait réuni ses œuvres avec celles de Pablo Picasso – une exposition qui, à l’époque, ne vit jamais le jour. Aujourd’hui, ce souhait se concrétise enfin : Kirchner.Picasso propose pour la première fois un dialogue visuel direct entre deux figures majeures du modernisme, dont les carrières se chevauchaient, mais qui ne se sont jamais rencontrées et ont suivi des trajectoires artistiques fondamentalement différentes. Réunissant plus de 100 peintures, œuvres graphiques, dessins et sculptures, l’exposition invite le visiteur à redécouvrir ces géants de l’histoire de l’art à travers un regard comparatif et nuancé, révélant la puissance et l’intensité toujours actuelles de leur œuvre.

La pratique de Valentin Carron (né en 1977) s’enracine dans l’appropriation et la recontextualisation : il prend des objets, des symboles et des formes familiers issus de la vie quotidienne, de l’histoire de l’art et de la culture vernaculaire, et les transforme dans de nouveaux matériaux avec un subtil mélange d’humour, d’ironie et de critique. Par ces transformations, Carron questionne l’originalité, l’authenticité et l’identité dans un monde globalisé, ainsi que la production de valeur dans l’art et la société. L'exposition The Slope (Works 2005–2026) à la Galerie Eva Presenhuber — sa dixième avec la galerie — propose une méditation sur notre capacité à affronter la lente érosion de nos rêves, invitant le spectateur à reconnaître le déclin tout en acceptant l’effort nécessaire pour rester debout.