Depuis les années 1970, Richard Prince (né en 1949) explore les codes visuels et les fictions de la culture populaire américaine. Réputé pour son art de l’appropriation, dans lequel il recontextualise images et médias existants pour interroger l’auteur, la culture médiatique et l’identité, il est aujourd’hui considéré comme l’une des figures les plus influentes et les plus controversées de l’art des 20e et 21e siècles. L’exposition à l’Albertina, qui réunit quelque 150 œuvres avec un accent sur son travail photographique, présente des séries emblématiques comme Fashion, Gangs et Cowboys, ainsi que des pièces rarement exposées ou inédites, allant de ses photographies révolutionnaires de publicités à des images intimistes inspirées de sa vie dans l’Upstate New York. Ensemble, ces œuvres révèlent l’obsession de Prince pour l’image, la narration et la fabrication des mythes culturels, offrant au visiteur une réflexion provocante sur l’identité américaine et le pouvoir des images à façonner notre perception.

Pionnière de l’expressionnisme abstrait, Helen Frankenthaler (1928–2011) occupe une place centrale dans l’art américain d’après-guerre. À seulement vingt-trois ans, elle bouleverse la peinture moderne en inventant sa technique révolutionnaire du soak-stain  : en appliquant de la peinture diluée sur des toiles non apprêtées étendues au sol, elle crée des compositions lumineuses, souvent de dimensions monumentales. Cette approche ouvre de nouvelles manières de penser l’interaction entre couleur et support, influençant non seulement ses contemporains mais aussi des générations d’artistes explorant l’espace, la transparence et les superpositions chromatiques. Avec plus de cinquante œuvres couvrant six décennies, cette exposition, la plus vaste consacrée à son travail en Europe à ce jour et sa première rétrospective institutionnelle en Suisse, offre un panorama complet de l’œuvre d’une figure majeure de l’abstraction américaine.

À l’occasion du centenaire de l’arrivée d’Alexander Calder en France et du cinquantième anniversaire de sa disparition, Rêver en équilibre explore l’œuvre d'une des figures majeures de la sculpture du 20e siècle. Sur plus de 3 000 m², l’exposition retrace son parcours et met en lumière ses préoccupations artistiques majeures : le mouvement avant tout, mais aussi la lumière et les reflets, les matériaux modestes, le son, l’éphémère, la gravité, la performance et le jeu subtil entre espace positif et espace négatif. L’ensemble s’enrichit d’œuvres de ses contemporains – Jean Arp, Barbara Hepworth, Jean Hélion, Piet Mondrian, Paul Klee ou Pablo Picasso – ainsi que d’images captées par des photographes légendaires tels qu’Henri Cartier-Bresson, Man Ray, Irving Penn ou Agnès Varda, qui restituent un artiste toujours en équilibre entre art et vie.

La pratique artistique de Raphael Hefti (né en 1978) est animée par une fascination profonde pour les processus industriels et postindustriels, qu’il subvertit, réinterprète et transforme avec une précision presque alchimique. En dialogue avec des spécialistes, il explore la fragilité des matériaux, modifiant leur composition pour révéler les vérités cachées dans les techniques conventionnelles, tout en célébrant poétiquement cette zone intermédiaire où se croisent contrôle et chaos. Les œuvres présentées dans le cadre de sa première exposition personnelle à la Galerie Mai 36 prolongent cette investigation. Elles mettent en avant un engagement à la fois ludique et rigoureux avec la matérialité, la fragilité et la transformation, qui fait de Hefti l’un des artistes contemporains suisses les plus captivants de sa génération.

Puisant à la fois dans son histoire personnelle et dans ses recherches, Otobong Nkanga (née en 1974 à Kano, Nigeria) développe une réflexion sur l’écologie et les liens entre le corps et la terre, mobilisant la mémoire comme un outil pour envisager d’autres futurs possibles. Son travail, qui se déploie à travers une grande diversité de médiums – du dessin et de la peinture à l’installation, la tapisserie, la photographie, la vidéo, la sculpture, la céramique, la performance, le son ou encore l’écriture – s’attache à suivre la circulation des matériaux, des biens et des personnes, ainsi que les récits et les histoires qui s’y entremêlent, tout en mettant en lumière les logiques d’exploitation héritées de la violence coloniale. Conçue en étroite collaboration avec l’artiste, l’exposition I Dreamt of You in Colours propose un parcours à travers une œuvre protéiforme, des débuts de sa pratique jusqu’à aujourd’hui.

Bien avant que ce type de langage visuel ne devienne omniprésent, Walter Pfeiffer (né en 1946) a imposé un regard façonné par la légèreté, le désir et une intimité profondément personnelle. Tout au long de sa carrière, il a exploré des territoires inédits : de ses portraits francs d’identités et de sexualités queer à sa réinvention audacieuse de l’image de la haute couture, teintée d’ironie, de jeu et d’imperfection. Rassemblant plus d’une centaine de photographies, de ses débuts dans les années 1970 jusqu’à aujourd’hui, In Good Company mêle ses séries les plus emblématiques à des images inédites, révélant une pratique qui oscille avec fluidité entre art, mode et quotidien. L’exposition ne trace aucune ligne de séparation stricte : elle se déploie comme un récit visuel continu, affirmant la contribution singulière de Pfeiffer à l’art contemporain de l’image.

Qu’il s’agisse d’amis, de proches, de figures anonymes ou de personnalités connues, les compositions de Henry Taylor (né en 1958) offrent une vision complexe de la vie moderne. Son travail est direct et profondément parlant : il tisse des récits visuels qui mêlent expériences individuelles et courants sociaux plus larges, tout en dialoguant de manière réfléchie avec l’histoire de l’art. Répartie sur deux étages et treize salles, Where Thoughts Provoke, sa première exposition personnelle en France, rassemble près d’une centaine d’œuvres – peintures, sculptures, installations et objets peints – et affirme la place de Taylor parmi les voix les plus influentes de la peinture contemporaine.

Alliant poésie et regard social affûté, Cao Fei (née en 1978) explore comment la modernisation rapide, les technologies et les bouleversements globaux transforment la vie humaine, des villes aux espaces numériques en passant par le travail et les expériences des jeunes générations. Actuellement présentée à la Fondazione Prada, Dash dévoile un nouveau projet multimédia de l’artiste chinoise, né de plusieurs années de recherches approfondies sur les transformations mondiales de l’agriculture. Photographie, vidéo, réalité virtuelle, archives et documents se combinent dans l’exposition pour soulever des questions urgentes sur l’écologie, le travail et la continuité culturelle, tout en ouvrant des perspectives pour repenser la coexistence entre l’homme, la technologie et le monde naturel.